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Al Brule

Al Brulé est l'un des rares artistes à avoir travaillé avec Art Frahm sur sa série de pin up « sans culotte » (il est entre autres l'auteur d'une superbe hôtesse de l'air victime d'une méchante bourrasque).


Brulé était un illustrateur de Chicago dont le style, avec ses épais coups de pinceau et ses couleurs vives, était proche de celui du cercle de Sundblom. Pendant les années 40 et 50, il réalisa de nombreuses affiches pour de grands annonceurs nationaux, la plupart publiées pleine page dans de prestigieux magazines tels que The Saturday Evening Post. Brulé créa également des images qui furent reproduites sur des panneaux publicitaires géants postés le long des autoroutes, accrochés au flanc de buildings ou présentés sur de hautes plates-formes conçues à cet effet.


Comme de nombreux autres illustrateurs, Brulé prit sa retraite pour se consacrer à la peinture de chevalet, se spécialisant dans des thèmes liés à la conquête de l'Ouest. Habitant la côte ouest, il pouvait mener la vie qu'il décrivait dans ses tableaux. Toutefois, même dans ces scènes, il continua d'exprimer son amour des belles femmes. II commença sa seconde carrière dans les beaux-arts avec le portrait d'une pin up squaw, Buffalo Woman, une huile sur toile de 61 x 90 cm, réalisée dans une réserve sioux du Dakota du Sud.

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Al Buell

Alfred Leslie Buell est né en 1910 à Hiawatha au Kansas.

Il s'est tout d"abord orienté vers une carrière d'ingénieur avant d'entrer à l'Institut d'Art de Chicago après qu'un voyage à New York l'ait décidé à devenir artiste. En 1935, il rejoint le studio d'art Stevens/Hall/Biondi et son association avec Haddon Sundblom a permis à son talent de se développer d'une façon considérable. il ouvrit ensuite son propre studio en 1940.

Buell est l'artiste qui a contribué au lancement du magazine Esquire en 1946. Il a fait des illustrations pour de nombreux magazines américains, pour finalement finir pour travailler pour Coca-Cola dans les années 40 et 50. Il finit sa carrière commerciale vers 1965 et se mit à peindre des paysages et des portraits. Il travailla jusqu'en 1993 date à laquelle il fut blessé dans un accident.

 

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Al Moore

L'héritier apparent de Vargas chez Esquire était Al Moore, lequel a partagé le calendrier 1948 du magazine avec Ben-Hur Baz et d'autres artistes commerciaux majeurs concourant pour ce rôle.

En 1949, 1950 et 1951, Moore a travaillé en solo sur le calendrier de pin-ups le mieux vendu et le plus prestigieux d'alors. On ne sait pas pourquoi il a été remplacé, vraisemblablement pour une histoire de gros sous. Bien que la célébrité d'un Vargas ou d'un Petty laissa Moore dans l'ombre, ses pin-ups font néanmoins le lien entre le glamour des "filles d'à côté" d'Elvgren et l'allure moderne d'après-guerre de Chiriaka ou d'autres. Comme Elvgren, Moore a créé de voluptueuses créatures oniriques, mais son sens profond de la conception le rapprochait plus de Chiriaka, comme son usage de la gouache pour donner à ses filles un dégradé de teints et une fraîcheur sensuelle. Les femmes de Moore étaient des merveilles aux grands yeux, très souvent blondes, leurs courbes généreuses soulignées par leur haut de bikini, et leurs lèvres pulpeuses invitant à la passion. Ces tentatrices provocantes, et pourtant tellement américaines, très directes, rarement timides, faisaient les yeux doux au spectateur, promettant la révolution sexuelle à venir.

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Alain Aslan

Aslan, ou Alain Aslan, de son vrai nom Alain Gourdon, né à Bordeaux le 23 mai 1930, est un peintre, illustrateur et sculpteur français. Il est surtout connu en France pour ses pin-ups. Son frère aîné, Michel, également illustrateur, a réalisé entre 1950 et 1978 la plupart des couvertures des romans policiers publiés aux Editions Fleuve noir.
Il entre aux beaux-arts de Bordeaux à 14 ans; il passe le concours d'admission sans la moindre difficulté. Deux ans plus tard, il intègre l'École nationale supérieure des beaux-arts à Paris. Il bénéficie d'une dispense d'âge grâce à l'intervention du peintre Jean-Gabriel Domergue. Cette même année, il rencontre celui qui deviendra son ami : le sculpteur César.

En 1952, il est nommé peintre et sculpteur officiel de l'armée. Parallèlement, il dessine dans des livres pour enfants, tels que Pinocchio ou les contes de Perrault. Il réalise plusieurs couvertures de l'édition française du Journal de Tintin. Mais il illustre aussi des affiches pour les Folies Bergère, le Crazy Horse, le Casino de Paris, l'Olympia, ou encore des pochettes de disques et des publicités.

De 1963 à 1981, Aslan réalise les célèbres pin-ups du magazine Lui.

En 1968, Aslan sculpte Brigitte Bardot en Marianne. Ce buste, édité par le Musée du Louvre, fut vendu à plus de 20 000 exemplaires à ce jour. Il s'agit du premier buste diffusé du vivant de son auteur par le Musée du Louvre.

En 1971, il réalise le buste du général de Gaulle en trois hauteurs différentes (60 cm, 30 cm et 15 cm).

On lui doit aussi l'illustration de la pochette de l'album (enregistrement public) de Joe Dassin lors de son passage à l'Olympia en 1974. Une magnifique représentation du chanteur dans son costume blanc, se tenant debout avec un chat persan à ses pieds.

En 1978, Aslan sculpte la chanteuse Mireille Mathieu en Marianne. Le buste est également édité par le Musée du Louvre. Par la suite l'œuvre est tirée en Marianne d'Or, prix destiné aux maires qui s'occupent bien de leur ville. Un pin's de Mireille en Marianne est offert à tous les maires de France.

En 1986, il exécute le buste du comédien Alain Delon, ainsi que son portrait qu'il peint sur un véhicule 4x4 participant au rallye Paris-Dakar (pour la promotion des parfums Alain Delon).

En 1987, il réalise la statue en pierre de la chanteuse Dalida pour sa tombe, au cimetière de Montmartre, et son buste en bronze, pour la place Dalida, également à Montmartre.

Il est nommé commandeur des Arts et Lettres en 2003.

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Alberto Vargas

Alberto Vargas n'a pas inventé la pin-up et ses illustrations ne furent pas les seules à être diffusées sur une vaste échelle durant la seconde Guerre mondiale.
Mais ses « Vargas Girls », crées pour le magazine Esquire entre 1940 et 1946, devinrent et restent une oeuvre en soi.


La plupart des pin-up de cette époque étaient des photos d'actrices comme, par exemple, celle de Betty Grable lançant par-dessus son épaule un regard aguicheur demeuré célèbre. Le succès de ces images était davantage dû à la célérité du modèle qu'à l'esthétique de la photo elle-même.

Les Varga Girls, en revanche, séduisaient parce que justement elles n'étaient que la représentation de femmes imaginaires. En contemplant ces Beautés, les G.I. américains pouvaient rêver qu'après la guerre, quelque part en Amérique, ils pourraient réellement rencontrer ce genre de femmes.


Bien d'autres dessinateurs produisaient aussi des pin-up. Mais, à l'exception de George Petty, dont les Petty Girls ont complètement disparu dés le début de la guerre, aucun artiste n'a possédé avec autant de maîtrise l'art de saisir les nuances qui rendent les Varga Girls si engageantes.


Vargas savait insuffler la vie à ses créations en utilisant une technique à hase d'aquarelle et d'aérographe qui lui permettait de rendre la texture de leur peau subtile et sensuelle, et leurs contours proches de la réalité photographique.


En même temps, Vargas exprimait une vision romantique de la femme américaine. Les varga Girls étaient des images idéalisées de femmes à la fois sexy et innocentes, des baby dolls étonnamment belles, vivantes et accessibles.


C'était d'ailleurs cette combinaison inhabituelle de qualités qui les rendait si attirantes pour les Américains de toutes classes sociales, aussi bien les hommes que les femmes.

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Alphonse Mucha

· La jeunesse de Mucha
Mucha naît le 14 juillet 1866 à Ivancice, en Moravie (aujourd'hui la République tchèque).
A cette époque l'empire Austro-hongrois occupe encore une bonne partie de l'Europe, mais le déclin commence. Mucha a 6 ans, Vienne noie sa déchéance dans une activité intellectuelle intense (découverte notamment de la psychanalyse).

· Paris

· Sarah Bernhardt
En 1894, un camarade de Mucha lui demande de revoir les épreuves d'un travail important qu'il avait effectué. Le lendemain il était chez l'imprimeur Lemercier.
Il finissait de corriger les épreuves quand le directeur reçut un coup de téléphone de Sarah Bernhardt qui voulait une affiche pour sa pièce, celle-ci devait être sur les murs pour le nouvel an, ce qui ne laissait que quelques jours pour la réalisation du travail. En cette période de fêtes, seul Mucha est présent, il n'avait jamais réalisé de travail de ce genre, mais il se lança. Son directeur amena Mucha au théâtre le soir même afin qu'il puisse se faire une idée de la pièce "Gismonda".
· L’époque art nouveau
Le contrat signé entre Mucha et Bernhardt donnait l'exclusivité du travail de Mucha, pour le théâtre, à la comédienne, pour le reste il pouvait faire ce qui lui plaisait. Les fabricants de parfums, champagnes ou bicyclettes se pressent alors à la porte de Mucha qui peut se permettre de fixer ses tarifs.
· Mucha partout
Les œuvres de Mucha sont sur tous les murs, de grandes marques telles que les papiers à cigarette Job, les biscuits Lu ou encore le champagne Ruinart font appel à lui.
Petit à petit on appelle Art Nouveau le style de Mucha. Il faisait aussi des panneaux décoratifs pour les habitations, souvent à partir de ses affiches. On rencontre ses créations partout et tous les jours.
· L’époque Slave
Mucha peint des portraits des filles du riche industriel Crane. Un jour, il lui fait part de son projet de consacrer le reste de sa vie à peindre vingt tableaux de grandes dimensions représentant une épopée symbolique du peuple slave et ce depuis l'Antiquité.
Crane finit par accepter de le financer, Mucha entreprend alors un voyage d'études dans les pays slaves. Il acceptera encore quelques commandes, puis s'installera à Zbirov où il travaille sur ses toiles de six mètres sur huit. On est en 1911.
· L’Art Nouveau
Le mouvement commence dans les années 1890 et se prolonge jusqu'en 1910. Il touche de nombreuses disciplines : illustration, joaillerie, couverts, meubles et surtout l'architecture. L'Art nouveau a pour objectif de prendre le contre-pied des arts du XIXe siècle qui s'inspiraient du passé.
Un des précurseurs de ce mouvement est l'Anglais Willliam Moris (1834-1896), qui disparaît au moment où l'Art Nouveau devient international. Il est le promoteur d'une série d'idées qui se nourrissent du Moyen Age, époque durant laquelle l'art et l'artisanat sont étroitement liés ; l'artiste intervient dans plusieurs domaines (illustration, réclames…)
· Vienne entre 1890 et 1914
A cette époque, Vienne est la capitale d'un empire déclinant : l'empire Austro-hongrois. Elle est néanmoins un centre culturel important : musique, littérature, psychanalyse (Freud).
Dans le domaine architectural, Vienne s'est dotée de grands boulevards, de places, ce qui met en valeur les bâtiments. La génération de la fin du XIXe siècle veut faire du neuf, mais contrairement à leurs contemporains de l'Art Nouveau, ils intègrent des éléments du passé (intégration).

Mort à Prague le 14 juillet 1939

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Arnold Armitage

Arnold Armitage est un peintre britannique qui s'est spécialisé dans les portraits de jeunes paysannes pleines de vie. La chevelure blonde brillante, de bonnes joues, un léger décolleté (tout en suggestion), plus la clôture rustique et le jardin fleuri autour d'elle, tout contribue à la création d'une fantaisie bucolique et romantique. Le sous-genre de la paysanne a souvent été abordé par Elvgren lui-même, mais Art Frahm, cet être double spécialiste des promenades galantes idéalisées et des jeunes filles aux sous-vêtements descendus à leurs chevilles, a rejoint Armitage dans son entreprise de représentation de jeunes paysannes rayonnantes et attirantes, dans des poses et des situations tout juste suggestives. Les filles d'Armitage firent leur apparition simultanément aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne.

Le premier artiste "à pin-up" majeur fut Raphael Kirchner, dans le magazine Sketch, durant la Première Guerre Mondiale, suivi par l'Américain Merlin Enabnit durant la Seconde Guerre Mondiale. Lambert, Van Jones et Archie Dickens sont d'autres artistes à pin-up anglais importants, dont l’œuvre a rarement traversé l'Atlantique.

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Art Frahm

C'est au tournant du siècle dernier que les filles de papier, en France comme aux États Unis, investirent les illustrés de mode ou d'humour, comme "La vie Parisienne" ou "Le Rire".

Les Américains se régalent avec la "Gibson girl". Mais avant les illustrateurs, les photographes avaient lancé la mode des jolies filles peu vêtues dans des scènes de genre très coquines. La Belle Époque puis les Années Folles firent le succès des artistes comme Raphaël Kirchner ou Georges Léonnec. Alberto Vargas ravissait déjà les amateurs de ce qui deviendra les "filles à épingler".

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Arthur Sarnoff

Sarnoff (né en 1912) a mené une carrière remarquable : il a étudié avec Andrew Wyeth, travaillé aussi bien pour des journaux à sensations que pour les principaux magazines sur papier glacé, du Saturday Evening Post à Cosmopolitan.

Il a eu en charge des campagnes de publicité majeures (il est à l'origine de la célèbre campagne des bébés "Karo"), et a peint des portraits de célébrités telles Bob Hope ou JFK. De grandes expositions ont été organisées autour de son oeuvre, et ses lithos, gravures et affiches de sport et de Western se sont vendues à de très nombreux exemplaires. Et, comble de tout, Sarnoff est aussi responsable de ces tableaux kitchissimes, des classiques maintenant car connus dans le monde entier, représentant des chiens anthropomorphisés en plein tripot. Son tableau d'un chien en train de jouer au billard, L'Escroc, est probablement la reproduction la plus vendue de l'histoire de l'art américaine. Sarnoff a aussi été l'un des meilleurs créateurs de pin-ups, ses huiles de jolies filles en déshabillés pour Kemper-Thomas, dans les années 40, reflétant l'influence d'Elvgren et Sundblom, comme, un peu plus tard, ses baigneuses en gouache, comme cette blonde éclatante (le contraste du bois flottant lui donnant une touche typiquement années 50), le rapprochent du style Al Moore/Chiriaka.

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Baron Von Lind

Quatrième fils de Alma et Hjalmar von Lind, Jerry von Lind est né en 1937 à Duluth dans le Minnesota. Son père est le fils du baron Johann von Lind d'une petite ville près de Stockholm en Suède. Sa mère est née dans le sud du Wisconsin.

Après 7 années dans l'armée, Jerry von Lind embrassa une carrière artistique en s'intéressant à plusieurs domaines : la publicité, l'édition, les calendriers et les portraits. Il a travaillé pour plusieurs compagnies spécialisées dans les calendriers telles que Shedd-Brown et Brown and Bigelow où il est entré en contact avec des artistes de légende tels que Elvgren, Willis, Medcalf et d'autres tous aussi notables qui lancèrent la mode des calendriers à pin-ups dans les années 60 et 70. Inspiré par eux, Jerry contina dans le même style, dans son studio du sud de la Californie. La popularité renouvelée de l'art "vintage" l'a conduit a revenir vers l'âge d'or du calendrier de pin ups et à créer de nouvelles images dans ce style si reconnaissable. Son talent incontestable lui assure d'être très vite reconnu par les collectionneurs.

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Ben-Hur Baz

Ben-Hur Baz (1906-2003) était un peintre de pin-up art.

Né au Mexique en 1906, Baz est un artiste pin-up et glamour qui s'est fait connaître dans les années 1940 et 1950 pour son association avec le magazine Esquire. Il a peint des pin-ups pour leur galerie de Glamour et contribué à leurs calendriers et centerfolds ainsi.

Baz a été extrêmement prolifique. En plus de son travail pour Esquire, il a fourni des illustrations pour les magazines grand public histoire, a travaillé sur un certain nombre de campagnes publicitaires nationales, et des création de couvertures de livres de poche de roman à succès

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Bernard Tate

Bernard Tate est un peintre australien de nue dans la grande tradition. Combien de fois voyez-vous ces nus romantique, et pourtant si réel?

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Betty Boop

Betty Boop est l'héroïne d'une série de dessins animés américains créée par les Fleischer Studios entre 1930 et 1931.

Elle apparaît le 9 août 1930 dans le dessin animé Dizzy Dishes (en) puis dans une douzaine de dessins animés, comme personnage secondaire anonyme, notamment aux côtés du chien vedette Bimbo, lequel aura en définitive une renommée plus modeste. À ses débuts, dotée de longues oreilles tombantes mais déjà très maniérée, elle hésite entre une identité de chienne anthropomorphe et de jeune femme cabotine et délurée. C'est à partir de 1931 qu'elle est la vedette de plusieurs aventures sous le nom de Betty Boop.

Première héroïne de dessin animé, représentée sous les traits d'une petite femme brune aguicheuse et sensuelle (qui n'est pas sans rappeler Marilyn Monroe - laquelle reprendra avec un grand retentissement le fameux gloussement affecté poo-poo-pee-doo de la reine du glamour de celluloïd -, bien que ce soit la chanteuse Helen Kane qui ait été utilisée comme modèle), elle est devenue un sex-symbol de l'âge d'or de l'animation américaine. Mais, à cause de sa jupe trop courte et de certains épisodes avec ses compagnons, Betty Boop a été censurée pendant quelque temps (le temps que le studio rallonge sa robe).

Elle a chanté dans plusieurs films mêlant parfois prises de vues et animation dotés d'un sous-titrage avec bouncing ball, véritable ancêtre du karaoké, adaptant des chefs-d'œuvre de la chanson réaliste et du jazz, comme Minnie the Moocher de Cab Calloway, dans des animations d'une grande fantaisie.

Sa voix était doublée par Margie Hines et Mae Questel dans les années trente. Mae Questel doubla encore Betty Boop en 1988 dans Qui veut la peau de Roger Rabbit.

Elle a fait connaître Popeye le marin dans les années 1930. Celui-ci avait fait une apparition dans l'un des dessins animés dont elle était la vedette et, le grand public l'ayant beaucoup apprécié, il naviguera dès lors de ses propres voiles.

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Biba Cards

Hmmm, quoi écrire ici. Eh bien, pour couper une longue histoire courte, BIBA aurait été un magasin situé à Londres dans les années 1970. Il a vendu une variété de goodies pour presque rien et, sans surprise, a fait faillite. Les images suivantes ont été scannées à partir d'un paquet de cartes à jouer, et tandis qu'ils ne sont pas à proprement parler des années 40/50, ils sont dans le style de cette époque.

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Bill Layne

William "Bill" Layne (25 mars 1911 - 7 avril 2005) était un artiste américain, illustrateur et animateur qui a travaillé pour les studios Disney. Il est aussi connu comme dessinateur de pin-up.

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Bill Medcalf

Les pin-ups de Medcalf, comme celles d'Elvgren, établirent de nouveaux critères de qualité dans la profession. Lorsque Medcalf rejoignit l'écurie des artistes-maison de Brown and Bigelow le 18 mars 1946, il espérait obtenir quelques tuyaux de la part de ses deux idoles, Gil Elvgren et Norman Rockwell, qui travaillaient tous deux pour l'éditeur. Lorsqu'il les rencontra enfin lors d'une soirée donnée à l'occasion de Noël cette même année, il fut donc stupéfait et flatté quand ils lui demandèrent son secret pour obtenir une aussi belle lumière dans ses oeuvres. Medcalf réalisa de superbes pin-up pour Brown and Bigelow pendant plus de vingt ans, prenant en charge les commandes spéciales des grands annonceurs. En 1947, pour sa première affiche publicitaire pour Kelly-Springfield's Celebrity Tires (fabricant de pneus), il peignit une jolie femme promenant son chien devant sa propriété avec, en arrière-plan, une voiture de sport. Puis, pour Dorman Products (fabricant de pièces détachées pour automobiles), il réalisa une superbe pin-up pique-niquant avec son chien devant sa voiture. Sans cesser de travailler sur ces projets spéciaux, Medcalf continua à produire des images toujours plus réussies pour la nouvelle collection de Brown and Bigelow, plus traditionnelle: une série de portraits des gloires du base-ball.
En 1949, Medcalf réalisa son premier « Novelty Fold » pour l'éditeur: il s'agissait d'un feuillet qui se dépliait quatre fois, chaque pan révélant une pinup un peu plus grande, jusqu'au poster central qui contenait un message publicitaire. En 1951 , Medcalf était placé en cinquième place (par ordre d'importance) dans la liste des artistes-maison de Brown and Bigelow. Il réalisa son premier calendrier-cintre l'année suivante. Intitulé "Beautiful Morning", ce fut un nouveau best-seller même si le sujet n'était qu'une jeune fille faisant une promenade. En 1953, Medcalf, qui était décidément touche-à-tout, prit en charge la gamme de calendriers intitulée "American Boy" et créa un grand nombre de beautés en robe du soir pour la collection glamour de la maison. Né à Minneapolis, William Medcalf était originaire du Midwest. II fit son éducation artistique dans différentes écoles de sa région, avec des professeurs tels que Cameron Booth et Stan Fenelle. En 1940 et 1941, il travailla dans le service des gravures du département artistique du ministère des Finances. En 1942, il s'enrôla dans la marine comme aide-canonnier. Lors de son long séjour chez Brown and Bigelow, Medcalf travailla d'abord dans les locaux de l'éditeur, puis dans son propre atelier de la banlieue de Saint Paul, utilisant ses proches et ses voisins comme modèles. En septembre 1950, dans un article publié par la gazette d'une école d'art locale, il déclara: "Je cherche les détails qui rendent une fille féminine, en dehors de son visage et de sa silhouette, à savoir son allure, son expression, sa manière d'arranger ses cheveux, son regard, ses atours et ses rubans. (...) Je travaille son visage et son expression, les rendant agréables et doux, avec du sex-appeal mais sans sophistication, comme si j'avais devant moi la petite sœur d'un ami."

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Bill Randall

Les calendriers Carnets de rendez-vous du milieu des années 50 de Bill Randall pour Brown et Bigelow furent une énième resucée de la part de la maison d'édition de la série à succès des Carnets d'artiste créée par Mac Pherson. Le style et l'approche de Randall, cependant, se rapprochait beaucoup plus de ceux de Freeman Elliot que de Mac Pherson. Randall travaillait apparemment avec de la gouache, donnant à ses pin-ups une image plus claire et en quelque sorte plus plate (poitrine comprise). Il a poussé encore plus loin les situations humoristiques façon Elliot, pour obtenir un effet comique encore plus grand, remplaçant les lâches croquis latéraux par des motifs couleur aboutis. Les filles de Randall ressemblent à celles d'Elvgren dans leur visage et leur attitude, préparant des pancakes à moitié nues, repeignant des meubles de jardin juste pour que saute leur haut étriqué. Néanmoins, tout embarras tient plutôt de la taquinerie : ces filles ne se laissaient pas aisément rabaisser. Au contraire, elles éblouissaient l'observateur. Avant ses Carnets de rendez-vous, Randall réalisa des couvertures pour le Pictorial Weekly de Hearst, dont les pin-ups, certes attirantes, étaient assez insignifiantes.

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Bill Ward

Bill Ward a découvert que le dessin pouvait être plus qu'un hobby à Ocean City, dans le Maryland, à 17 ans. En peignant sur les vestes d'autres enfants, il se fit assez d'argent tenir tout l'été en vacances. Et, mieux que l'argent, "quel moyen fantastique de rencontrer des filles", comme Ward le dit lui-même. Quelle meilleure motivation un jeune homme pourrait-il désirer ?
Il s'inscrit ensuite au Pratt Institute de Brooklyn. Très vite, il se spécialisa : c'étaient des filles qu'il dessinait. Aussi ne tira-t-il que peu de profit de son passage dans l'une des meilleurs écoles de design du pays. La guerre approchant, et sachant qu'il serait enrôlé pour ses 19 ans, il négligea ses études et se concentra sur les filles et sa vie sociale. C'est pourquoi il estime qu'il n'était pas un artiste très doué lorsqu'il obtint son diplôme en 1941.
Son premier travail, il l'obtint dans une agence de design de Manhattan, mais grande fut sa déconvenue quand il apprit qu'il devait exécuter les basses oeuvres des illustrateurs. Il s'arrangea pour vite se faire renvoyer, et se retrouva à travailler avec Jack Binder, dessinant les décors des bandes dessinnées de Fawcett, parmi lesquelles Mr. Scarlet, Bullet Man, et Ibis and The Shadow. Il sait gré à Binder de lui avoir inculqué les techniques dont il avait besoin pour devenir l'un des meilleurs dessinateurs de cette période. Ward prit son envolée lorsqu'il réalisa du début à la fin un Captain Marvel. Il décida alors de se faire embaucher par Quality, le top en matière de bd à l'époque. Son timing fut parfait. Reed Crandall venait d'être appelé, et Quality lui offrit Blackhawk. Ward en fut chamboulé : il s'attendait à n'être que scénariste de second plan. Au lieu de cela, il se trouvait remplaçant du "plus grand dessinateur de bandes dessinnées de tous les temps", dixit lui-même. Son apprentissage avec Binder l'avait bien préparé pour Blackhawk : sa pratique de l'encre avait payé.Quality appréciait particulièrement ses couvertures, ce que Ward commente ainsi : "Je suis particulièrement fier du Military n° 30 : l'avion fou des Blackhawk se dirige droit sur vous, les canons crachant leur feu, Blackhawk aux commandes, Chop-chop agitant son couperet au-dessus de son épaule. J'ai dessiné cet avion idiot pendant des années avant d'en faire un jet. Je me suis souvent demandé quel huluberlu avait pu inventer ce machin. C'était évident qu'il ne pouvait pas voler - ridicule. Mais, il y a quelques années, alors que je feuilletais une copie d'un Aerosphere datant de 1942, quelle ne fut pas ma stupéfaction de le voir, d'en voir une photographie ! En me documentant, j'appris que c'était un prototype, le Grumman Sky Rocket, que l'armée avait rejeté. Peut-on les en blâmer ? Mais au moins a-t-il dû voler !"
Ward était au sommet de l'Olympe de la bande dessinée quand, comme beaucoup d'autres avant lui, il fut appelé sous les drapeaux. Après sa préparation, il fut affecté à la radio du dispositif anti-aérien d'une base navale. Son service lui laissait du temps libre à foison, et il se mit donc à plancher sur des histoires pour Fawcett lors de ses longs tours de garde. Un officier de marine remarqua son travail, et lui suggéra de faire une histoire pour le journal de la base, ce qu'il fit en créant Ack-Ack Amy, qui a évolué ensuite pour devenir son personnage le plus célèbre, Torchy.
Après la guerre, Ward s'en revint vers Quality. Il avait peur de la confrontation avec tous les autres artistes libérés eux aussi de leurs obligations, mais tout marcha bien pour lui. Reed Crandall reprit Military, et Ward se vit attribuer Blackhawk. Malheureusment, Quality souhaitait que l'un et l'autre se cantonnent au crayon, l'encrage étant assuré par d'autres artistes. Ward comme Randall furent très mécontents de cet arrangement, et les spécialistes de bandes dessinées s'accordent à dire qu'ils livraient le meilleur de leur travail lorsqu'ils se chargeaient eux-mêmes de l'encrage. Ward tient en piètre estime les encreurs : "J'ai toujours pensé, peut-être injustement, qu'un encreur était un artiste incapable de produire seul une bande dessinée, que tout ce qu'il avait à faire, c'était de repasser sur le crayon avec un pinceau. Je fus très déçu de la tournure que prenait mon Blackhawk, ils n'arrivaient pas à la hauteur de ceux que j'avais entièrement réalisés avant la guerre. Si cela m'affectait, cela affectait encore plus Randall". Plus jamais ce dernier ne devait à nouveau créer les classiques Blackhawk des années 41-42. Son encrage épais mais sans artifices se perdait à mesure que les encreurs charcutaient ses tracés. Tous les deux furent condamnés à continuer Blackhawk de cette manière durant sept ans : "Dessiner Blackhawk était probablement le travail le plus ardu que la bande dessinée pouvait proposer. Il y avait sept personnages principaux, qu'il fallait constamment faire apparaître, et cela surchargeait vraiment les planches. C'est là que j'enviais les scénaristes, qui n'avaient qu'à dire 'là, faîtes apparaître les 7 Blackhawk en mêlée avec les ennemis'. Je vous laisse imaginer le temps qu'il me fallait pour dessiner cela. Les choses que j'ai trouvé les plus difficiles à dessiner étaient les chapeaux militaires : un chapeau doit toujours être pile-poil, sinon il est ridicule ; il n'y a pas de juste milieu. Perturbé par le dessin et le temps que cela me prenait, j'ai développé un technique résolvant ce problème : je les faisais assomer dès leur premier combat, qui se déroulait généralement à la seconde page, et durant tout le reste de l'histoire, ils allaient tête nue. J'ai fait durer ce petit manère pendant six mois jusqu'à ce que non pas un éditeur astucieux mais un foutu gamin écrive à George Brenner (l'éditeur principal de Quality) pour lui dire 'Pourquoi ne pas offrir un nouveau dessinateur de chapeaux aux Blackhawk ? Il y a quelque chose qui cloche : ils se font assommer au début de chaque histoire'. Je vous laisse imaginer ce que je me suis pris. Alors, à l'épisode suivant, les Blackhawk devaient nager sous l'eau jusqu'à un sous-marin. Eh oui, vous avez deviné, je les ai dessinés sous l'eau en train de nager avec leur chapeau sur la tête. 'Ok Ward, n'en faisons pas trop', me dit George Brenner en me criant dessus au téléphone."
Vers 1946, Busy Arnold, l'éditeur de Quality demanda à Ward s'il avait des idées en vue d'une nouvelle série pour les Modern Comis. Ward suggéra Torchy. Elle devint rapidement un grand succès, et eut même son propre livre. Le talent particulier de Ward pour dessiner les femmes le plaça en bonne position, en cette période où les bandes dessinées glamour devenaient très populaires. Ward fut vite débordé par le travail que Quality lui demandait pour ses couvertures et ses histoires , tant et si bien qu'il n'eut plus le temps de s'occuper de ses propres créations, et Torchy échut à un autre talentueux artiste, Gil Fox. Toutefois, la carrière de Ward dans la bande dessinée touchait à sa fin. Les années 50 débutaient, et la campagne du Dr. Wertham sur les méfaits des bandes déssinées sur les enfants commençait à faire sentir ses effets. Rapidement, les ventes s'écroulèrent, forçant Quality à se retirer. Ward se recycla chez Humorama, le magazine d'Abe Goodman, puis en 1954, au Cracked magazine où il resta de nombreuses années.

Galerie Couleur

Galerie Noir et Blanc

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Billy de VORSS

A première vue, on pourrait ne pas prêter attention à Billy de Vorss, coupable d'imiter sans vergogne Rolf Armstrong, jusque dans sa signature. Travaillant fréquemment sur des modèles vivants, l'autodidacte de Vorss s'est servi des pastels dans sa peinture, comme Armstrong, et ses beautés (comme celles d'Armstrong) affichaient souvent des sourires éblouissants et des membres reluisants. Mais de Vorss possédait son propre charme, spécifique : son oeuvre, bien qu'inégale, dégage une aura chaleureuse, et de ses filles-d'à-côté émane une sexualité bon enfant. Là où Armstrong faisait dans le glamour, De Vorss fait dans le romantique : ses femmes idéalisées semblent profiter de son manque de formation. Ce n'est peut-être pas une coïncidence que sa femme ait été son modèle préféré. Originaire de Saint Joseph, dans le Missouri, de Vorss fut une des figures du Greenwich Village à New-York, du milieu des années 30 au début des années 50, date de son retour au Midwest. Ses premières filles apparurent dans les calendriers sous la signature de Louis F. Dow.

Galerie

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Calos Cartagena

Carlos Cartagena (né en 1960)

Cartagena a atteint le sommet, et ses illustrations de pin-up sont vus partout dans le monde. Ses œuvres ont paru dans Playboy, Penthouse et Femme Fatales pour n'en citer que quelques-uns. Ses pin-up autocollantes sont très populaires.

Carlos Cartagena, aujourd'hui l'un des meilleurs artistes de l'aérographe. Il se soutient dans son travail, qui est peinture beaux-arts, les filles de pin-up de belles pièces, et comercial.
Mais ça a été un long chemin pour Carlos pour atteindre son rêve. Il n'a pas d'éducation artistique formelle. Il est tought auto depuis le début des jours d'école. Il a acquis une réputation à l'école comme le meilleur artiste, la production d'art beaucoup plus sophistiqué que ses camarades de classe. Il savait à ce moment-là au début, il voulait être un artiste.
Quand il avait 21 ans, il est allé aux États. Il était heureux pendant ce temps dans Carlifornia, parce qu'il avait des objectifs clairs, il savait qu'un jour il allait devenir un artiste et la peinture. Inspiré par un airbrushmagazine dans les années 80, il a vu ce grand travail de l'aérographe peut faire et a décidé que c'est ce qu'il voulait faire. Il a acheté son matériel aérographe première fois, un VL Paasche. Il a passé les quatre prochaines années à apprendre lui-même comment utiliser l'aérographe nouvelle.
Pendant les années 80, il a été inspiré par Mark Fredrickson et David Malone parmi beaucoup d'autres. Il apprit d'eux et beaucoup de travail acharné lui fit mieux. Mais son désir ardent était sans doute sa meilleure source pour son progrès. Il a finalement réussi à obtenir son poste aérographe première fois à une entreprise. Il était sous une forte pression, mais Carlos pense que fait ressortir le meilleur en vous. Il a appris la théorie de la couleur qui était bon pour lui, au travail. Un an plus tard, quand il a quitté son emploi, il se sentait comme s'il avait obtenu son diplôme de l'école. Il avait appris et développé de nouvelles techniques, telles que la fabrication des tons chair, pendant ce temps. Il a utilisé ses nouvelles compétences à faire des portraits sur les vestes en cuir, et dans d'autres emplois aérographe à Hollywood. Il a remporté le prix la première place dans 92, que des années le magazine Impressions concours. Suivant est un réservoir harley qu'il avait peint, en 95, il a remporté un prix d'un obtenu sur la couverture du magazine Easyriders. A cette époque travaux Carlos prend deux directions, le monde sexy de pin-ups, et le monde surréaliste de ses peintures d'art.
Il pense que ses pin-ups sont comme des peintures playboy Vargas dans les années 50, mais avec une torsion des années 90. Il veut leur largement acceptée, ils devraient offenser personne. La beauté est sa seule préoccupation. Ses tableaux sont des femmes américaines, mais est à la recherche à travers le monde comme il sait qu'il ya des femmes belles et sensuelles du monde entier.
Cartagena utilise carton à dessin quand il peint, et les références photographiques, mélanger peut-être cinq photos pour obtenir le droit de poser et de sentiment. Il peint alors l'image de droite qu'il a dans son esprit, sur le carton à dessin. il comme beaucoup d'autres, commence par des tons clairs, etc peau, et se termine avec des tons sombres.
Son art est faite sur la toile. La plupart de ses œuvres d'art se fait à main levée. Aujourd'hui, il reçoit de l'aide avec les concepts de ses amis. Et il est aussi très reconnaissants et apprécions à beaucoup de gens autour de lui qui l'ont soutenu et ont été puissante influence au fil des ans. Carlos pense qu'il peut ACHIVE plus, qu'il emploie à penser qu'il avait vraiment, mais maintenant il sait qu'il ya plus à développer. D'autres artistes de départ peuvent atteindre le même objectif qu'il a, tant qu'ils concentrer sur une chose. Carlos savait depuis qu'il était jeune qu'il voulait faire de l'art pour gagner sa vie, il se sentent chanceux et béni par Dieu pour cela. Lorsque Cartagena regarde en arrière maintenant, toutes ces années et tous les efforts qu'il a traversé était sûr vaut la peine.

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Coles Philips

Clarence Coles Phillips (Octobre 1880 - Juin 13, 1927) était un artiste et illustrateur américain qui a signé ses premières œuvres C. Coles Phillips, mais après 1911, a travaillé sous le nom abrégé, Coles Phillips. Il est connu pour ses images de femmes élégantes les peintures qu'il a créés pour des publicités et des couvertures de magazines populaires.

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Crandell Bradshaw

(1896 - 1966)
Première couverture pour Judge, 1921, d'autres ont suivi pour College Humor, américan, Ladies 'Home Journal, Motion Picture, Saturday Evening Post, Collier, Redbook. A repris couvertures de Cosmopolitan Harrison Fisher où ses pastels de jolis modèles et actrices (Carole Lomboard, Bette Davis, Veronica Lake) l'ont rendu célèbre. Elle Travailel pour Old Gold (datant d'avant Petty), Palmolive et d'autres. Illustration de gauche à apprendre et à se concentrer sur les portraits à l'huile à laquelle ils étaientt tous aussi réussi.

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Donald Rust

Donald "Rusty" Rust est un peintre et illustrateur américain né en Pennsylvanie en 1932.

Ses thèmes de prédilections sont les portraits, les "pin up" et - surtout - les illusions d'optique et les animaux.

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Earl Mac Pherson

Earl Mac Pherson, le créateur du style "Carnet à Dessins" pour les illustrations de pin-ups, est né en août 1910.

Il est né dans la ferme de ses grands-parents et de son père, lequel, à court d'argent, paya apparemment au docteur le prix de l'accouchement d'un cochon. Son père commença à apprendre à Earl à dessiner, et en 1916, ils déménagèrent en Californie en quête d'une vie meilleure (et d'un professeur de dessin pour Earl). Earl Mac Pherson fit ses études à l'Ecole d'Art Chouinard de Los Angeles. Avant d'aller achever ses études à l'École des Beaux-Arts de San Francisco, il passa plusieurs années à peindre des portraits et à jouer dans une troupe de répertoire à Hawaii. On lui offrit un beau cachet presque immédiatement après la fin de ses études pour le portrait des petits-enfants du président d'alors, Herbert Hoover.

A la fin des années 30, Mac Pherson travaillait à Hollywood, réalisant des portraits des Filles d'Earl Carroll. Cela attira sur lui l'attention des Rois de la Pin-up, Brown et Bigelow, qui le firent s'installer dans leur studio de St. Paul. Comme le studio hébergeait aussi Earl Moran et Rolf Armstrong, Mac Pherson sentit qu'il aurait du mal à se montrer à la hauteur avec une telle concurrence. Cependant, et bien qu'il peignit la pin-up la mieux vendue de la Société des Calendriers Shaw-Barton en 1941 (De place en place, 1941, réutilisée par les cigarettes Lucky Strike pour leur calendrier 1942, Lucky strike s'en va-t-en guerre), Mac Pherson ne prit son envol qu'en 1943 où il créa le premier "Carnet à dessins d'artiste". Mac Pherson eut apparemment cette idée quand il remarqua que les employés et les clients de Brown et Bigelow foullaient ses corbeilles à papiers en quête de croquis inachevés. Mac Pherson fut attiré hors de Brown et Bigelow en 1945 par Shaw-Barton, qui lui offrit un meilleur traitement, son nom au-dessus du titre et l'opportunité de travailler là où il l'entendait. 1946 marqua le début d'une série de onze années des calendriers "Le Carnet à dessins de Mac Pherson".

Pendant ce temps, Mac Pherson écrivit et illustra aussi l'une des plus grosses ventes de tutoriaux artistiques Waister Foster : La Pin-up : comment dessiner et peindre de belles filles, publié en 1954. En 1951, Mac Pherson développa Polio, et son assistant T. N. Thompson reprit les calendriers Carnets à dessins, reproduisant avec succès le style de Mac Pherson. Quand le marché de la pin-up s'effondra à la fin des années 50 - début des années 60, Mac Pherson se remit à voyager, allant à Tahiti en 1960 et parcourant tout le Pacifique Sud. Pendant ce temps, il se fit une réputation d'artiste "Western". Earl Mac Pherson mourut en décembre 1993.

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Earl Moran

Earl Steffa Moran, né le 8 décembre 1893 à Belle Plain (Iowa-États-Unis), mort le 17 janvier 1984 à Los Angeles (Californie), est un peintre et photographe américain.

Il étudie l'art à la Art Institute of Chicago puis déménage vers Manhattan où il continue ses études à la fameuse Art Student League de New York City. Il étudie sous les tutelles de Vincent Dumont, Robert Henri, George Bridgman et Thomas Fogarty (aussi professeurs de Norman Rockwell).

Célèbre dans les années 40 pour ses pin-up girls, il passe maître dans les techniques du pastel et de la peinture à l'huile. Il travaille pour Sears & Roebucks, fait des couvertures pour Beauty Parade et Eyefull (magazines pour hommes), illustre pour Life Magazine, et réalise des affiches de films. Il travaille aussi pour Brown & Bigelow dans les années 1940-1950. Son modèle le plus connu fut Norma Jean Dougherty, qui deviendra célèbre sous le nom de Marilyn Monroe de 1946 à 1950. Il signe avec les galeries « Aaron Brothers Galleries » et travaille pour eux jusqu'en 1982, date à laquelle il doit arrêter pour raison de santé.

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Edward d'Ancona

Bien que d'Ancona ait été un peintre prolifique, auteur de centaines de belles images, on ne sait presque rien sur ses origines. Il signait parfois "D'Amarie", mais son véritable nom figure sur de nombreuses reproductions de calendriers du milieu des années 30 au milieu des années 50, et peut-être même jusqu'en 1960. La première maison à publier les pin ups de d'Ancona de 1935 à 1937 fut Louis F. Dow de Saint Paul. D'Ancona travaillait à l'huile sur toile et les originaux de cette époque mesurait généralement 76.2 * 55.9 cm. Ses premières oeuvres rappellent celles du jeune Gil Elvgren qui commença à travailler pour Dow en 1937. D'Ancona ayant travaillé si souvent pour Dow, on peut supposer qu'il était originaire du Minnesota et qu'il vivait dans la région de Saint Paul-Minneapolis. Il fournissait également des illustrations à l'éditeur Goes de Cincinnati ainsi qu'à plusieurs entreprises de boissons non alcoolisées. Celles-ci misaient sur la ressemblance entre son travail et celui de Sundblom et d'Elvgren, associé au grand rival Coca-Cola.
Pendant les années 40 et 50, son utilisation virtuose des couleurs primaires, la maestria de sa touche et de son style pictural le haussèrent au niveau des plus grands artistes de pin ups et d'art glamour. Ses sujets de cette époque ressemblaient à ceux d'Elvgren :tous deux aimaient peindre des nus et avaient souvent recours aux scènes de "situation". D'Ancona peignit également un grand nombre de scènes en robe du soir, tout comme Elvgren, Frahm et Erbit. vers 1960, D'Ancona entra dans le marché des calendriers. Toutefois, au lieu de pin ups et d'images glamour, il se spécialisa dans le thème de la sécurité, peignant de gentils agents de police joufflus aidant des enfants à traverser la rue dans une environnement urbain semblant tout droit sorti des compositions de Norman Rockwell.

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Edward Reed

Edward Reed est Artiste moderne pin-up . Il a été le conseiller éditorial et rédacteur de contribution pour Airbrush Art + Action de 1998 à 2003. Il est actuellement conseiller éditorial et rédacteur en contribuant à la Scène Internationale d'Art magazine. Il a été la création de l'art de pin-up depuis 1988. Il est une autorité reconnue sur l'art de pin-up et a écrit de nombreux articles pédagogiques sur le sujet de la façon de créer de l'art de pin-up pour le magazine aérographe, aérographe action, Scène Internationale d'Art Airbrush Art + et d'action. En 1997, il a conçu le Freehand FH-10 Pinup Shield pour ARTOOL Products Company qui est encore vendu dans les magasins de fournitures d'art aujourd'hui. Un livre sur son œuvre The Art of Edward Reed: Portraits & Pin-up a été publié par SQP au printemps 2008 et un deuxième livre est prévu par SQP pour 2009 et 2010.

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Edward Runci

Edward Runci est un remarquable mais malheureusement peu connus ou dont on parle maître de pin-up à l'huile. Ses coups de pinceau luxuriantes révéler un talent et d'habileté comparable à Elvgren, si Runci n'est apparemment pas un diplômé de la boutique Sundblom.
Runci était un portraitiste à Hollywood quand il a été approché par une société civile pour pin-ups. Martignette note que les filles Runci souvent se coincer dans des situations compromettantes escalade une clôture de fuir un taureau, habillez-vous sauter sur un tour de Grande Roue.
Runci du début des années 1950, les filles sont rose à carreaux, voluptueux, souvent blondes Marilyn Monroe-types dont la saine sensualité rayonne hors de la toile. Il a également touché à la robe glamour-sous-genre, créant la vie étonnamment semblables effets dans les plis soyeux de vêtements. Martignette spécule que l'épouse de l'artiste Runci ont peut-être même fait semblable, mais légèrement plus lâche pin-ups aussi sous le singulier «Runci" par ligne.

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Elliot Freeman

Quand K.O. Munson quitta Brown & Bigelow, Freeman Elliot, artiste vétéran des couvertures "pin-ups" de l'Hebdo Illustré d'Hearst, s'empara des fameuses séries de calendriers Carnets à dessins. Les filles d'Elliot étaient superbes, des créatures aux membres incroyablement longs, souvent impliquées dans de fantasques situations : repeindre la maison en bikini, répondre au téléphone enroulée dans une serviette, cuisiner en ne portant qu'un ravissant tablier. La patte d'Elliot se rapproche plus de celle de Munson que de celle de Mac Pherson, et ses filles rivalisent de glamour et d'éclat avec celles d'Elvgren. Ses Pages de carnet à dessins sont joliment rassemblées, les croquis latéraux, mêlant crayon et couleur, et embellissant les situations comiques, paraissant même raconter une sorte d'histoire. On ne sait pas avec exactitude sur quel support travaille exactement Freeman : la poignée d'originaux qui est apparue au grand jour révèle des huiles sur planche. Il a aussi apporté plusieurs images au calendrier Ballyhoo de 1953, dont les autre contributeurs étaient les artistes à "pin-ups" d'Esquire. C'est à ce moment-là que son style a évolué vers une sensualité débridée semblable à celle d'Al Moore et Ernest Chiriaka.

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Elmer Simms Campbell

CAMPBELL ELMER SIMMS (né le 2 janvier 1906, St. Louis, Missouri, US - d. 27 janvier 1971, White Plains, État de New York), le premier dessinateur noir américain de publier son œuvre en général, la circulation magazines sur une base régulière.
Campbell a remporté un concours national dans la caricature tout en fréquentant l'école secondaire. Il a ensuite étudié à l'Université de Chicago et l'Art Institute de Chicago. Il a ensuite travaillé comme un chemin de fer wagon-restaurant serveur, s'amusait à dessiner des caricatures de passagers, dont l'un aimait son travail et lui a donné un emploi dans un studio d'art commercial à Saint-Louis.
Campbell a ensuite déménagé à New York, où il s'est peu à peu imposé comme un collaborateur régulier de diverses revues d'humour tout en travaillant pour une agence de publicité. En 1933, le magazine Esquire a été créé, et Campbell est devenu le dessinateur avant tout, avec autant que d'une douzaine de dessins à un problème. Son travail a également été publiée dans Cosmopolitan, The New Yorker, et Playboy. Il est surtout connu pour ses représentations de femmes voluptueuses,

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Enoch Bolles

1883-1976
Enoch Bolles était le peintre de pinups Art déco le plus célèbre après Alberto Vargas et George Petty, notamment parce que ses images étaient présentes partout de New York à Los Angeles. L'art de Bolles, tant sur le plan de la technique que des sujets - les jeunes délurées , joyeuses et moqueuses - exerça une grande influence sur de nombreux artistes de son temps. Bolles commença sa carrière comme illustrateur de pulps coquins pour les éditions Dell, et il trouva un public sur mesure parmi les lecteurs principalement masculins. des pulps. Film Fun immortalisa le nom de Bolles. L'artiste idéalisa les couvertures de cette publication de 1924 à 1948 et son style fut bientôt reconnu par tous les Américians au même titre que la "Petty Girl" qui, elle, paraisait dans Esquire. Bolles travailla pour de nombreux autres pulps, dont Gay Book et Cupid's Capers, qui l'invitèrent à réaliser la couverture de leurs premiers numéros, et Spicy Sottories, qui avait le plus gros tirage de tous.


Les pinups de Bolles étaient sexy et joyeuses. Elles avaient souvent des poses provocantes et étaient parfois surprises arborant une moue gênée ou confuse. Pleines d'énergie et d'audace, débordantes de santé, leurs visages enfantins contrastaient avec leur corps de femme épanouie. Bolles intégrait souvent dans ses images des décors Art Déco, des spots et autres accessoires de plateau, et revêtait fréquemment ses beautés de nuisettes transparentes ou de maillots de bain mouillés.
Bolles peignait à l'huile sur des toiles dont le format variait entre 25.4 * 20.3 cm et 35.6 * 27.9 cm pour les pinups de pulps, allant jusqu'à 76.2 *61 cm pour ses illustrations destinées à Film Fun. Contrairement à la plupart de ses contemporains qui avaient une palette plutôt douce, il utilisait une vaste gamme de couleurs primaires. Il ne reste aujourd'hui que quelques oeuvres de cet artiste pourtant très prolifique.
On sait fort peu de chose de la vie de Bolles. Sans doute né dans la région de Chicago, il travaillait à New York où il était proche des nombreuses maisons d'édition spécialisées dans les pulps et les magazines de charme des années 20 et 30. On raconte qu'à la fin de sa vie, atteint de troubles psychiques, il se mit à peindre sur ses couvertures de Film Fun, défigurant le visage autrefois souriant de ses pinups, avec des expressions d'horreur.

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Ernest Chiriaka

La quête d'Esquire pour trouver un remplaçant à Vargas inclut de talentueux artistes commerciaux de la fin des années 40 et du début des années 50, tels Ward Bennet, Ren Wicks, Robert Patterson, Eddie Chan et Al Moore. Ce dernier fut à deux doigts d'être déclaré vainqueur, mais au bout du compte ce fut Ernst Chiriaka (né en 1920), qui se trouva être le créateur ultime de pin-ups pour le magazine. La contribution de Chiriaka à Esquire de 1953 à 1957 consista en des calendriers de pin-ups posant seules. Les femmes de Chiriaka (ce n'étaient pas vraiment des "filles") étaient sensuelles et glamour, souvent habillées de manière exotique, et parfois complètement déshabillées. Elles étaient érotiques, sophistiquées, tout sauf des pin-ups au teint frais. Comme de Mers, Chiriaka se démarquait de l'approche post-moderne : une conception sortant de l'ordinaire alliée à des femmes très réalistes. L'utilisation de la gouache permit plus de nuances dans les teints, troquant la douceur et la souplesse d'Elvgren contre une truculence palpable et sensuelle. Dans les années 40 et 50, Chiriaka exerça ses talents, de manière assez surprenante au regard de l'élégance moderne de ses déesses du sexe, dans les couvertures de romans-westerns de halls de gare et de livres de poche.

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Fritz Willis

Lorsque, à l'été 1946, Esquire a annoncé une nouvelle fonctionnalité importante en droit de la Galerie Esquire de Glamour, le magazine choisi Fritz Willis pour fournir l'illustration inaugurale. C'était sa première publication pin-up, et il a lancé une spectaculaire trente ans de carrière.
Un talent aux multiples facettes, une fois encore M. Willis a agi avec Katherine Hepburn, dans Alice Adams. Dans les années 1930 et début des années 1940, il a travaillé pour Warner Brothers en tant que production-conception et l'artiste de la publicité. Au studio, il a développé une amitié avec Joe De Mers, qui l'a rejoint dans la création de pin-up pour la Galerie Esquire.
L'année 1950 a été une bannière un pour Willis. Non seulement at-il commencé à fournir des illustrations pour de grands magazines du pays, il a également été inondé avec des commissions de publicité des compagnies comme Max Factor, Sunkist, et Pepsi Cola. Programme Willis peint couvre les Shipsteads et Ice Follies Johnson de 1952 à 1969 et une fois accepté une commission pour un panneau d'affichage pour l'Hôtel Stardust and Lounge Casino à Las Vegas. Il a écrit quatre classiques art d'instruction livres de la Société Waiter Foster qui sont restés dans la copie pendant plus de quarante ans.
En 1961, Willis a reçu une autre commande importante: Brown and Bigelow lui ai demandé de réorganiser le calendrier de leur best-seller de l'Artiste Sketch Pad. Il a conçu un format de frais et de design pour le calendrier et, dans le processus, a créé le dernier des grands Pin-up Girls. La Fille Willis, bien que né dans une époque de rébellion, avait l'air sophistiqué de la pin-up classique.
Travail de Willis a été habituellement exécutées par des huiles sur une toile placée sur carton à dessin; certaines de ses illustrations de magazines et de pin-ups des années 1940 ont été peints à la gouache sur carton. La plupart des images ont été d'environ 18 x 24 pouces (45,7 x 6 cm i), mais les pièces majeures pourrait être plus important.
À sa retraite, Willis et sa femme, Pat, qui était son modèle, ainsi que son meilleur ami, a déménagé à San Clemente, en Californie. Il a ensuite développé la maladie de Parkinson et est décédé le 13 Janvier 1979.

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George PETTY

Le robuste artiste commercial George Petty (1894-1975) entama une série de caricatures couleur pour Esquire au début des années 30, mettant en scène de plantureuses jeunes filles avec leurs invraisemblablement pathétiques prétendants. Rapidement, ces beautés au sourire envoûtant et aux lignes pures-comme-une-Buick, prirent à elles seules le devant de la scène, et la "fille-Petty" était née. Au début des années 40, lorsqu'il abandonna Esquire pour une affaire de gros sous, Petty fut remplacé par Alberto Vargas (lui aussi sous-payé). Leur accueil, certes osé, au sein du très classe Esquire offrit aux pin-ups une respectabilité, et l'incroyable technique au pistolet de Petty le plaça aux avant-postes des artistes commerciaux. Bientôt célèbre dans le monde entier, Petty mit ses pin-ups au service des publicitaires. Après la période Esquire, le magazine True accueillit ses filles, et il se lança finalement dans une longue série pour le magazine au nom évocateur Outils Rigides. Dans le film hollywoodien de 1950 The Petty Girl, notre artiste replet fut joué par le mince Robert Cummings, tandis que la "fille-Petty" fut interprétée de manière plus juste par Joan Caulfield.

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Gil ELVGREN

Gil Elvgren est actuellement un des illustrateurs de pin up les plus célèbres. Ces peintures ou dessins originaux sont très recherchés par les collectionneurs. La "Elvgren Girl" reste toujours pleine de fraîcheur, même dans les situations les plus cocasses
Né le 15 mars 1914 à St Paul, dans le Minnesota, Gillette A. Elvgren fugue à 19 ans avec une ex-camarade de classe, Jannet Cummins qui partagera sa vie durant 33 ans.Il étudie à Chicago, rencontre All Buell, Harry Anderson, Thornton Utz, Coby Whit- more, puis retourne à St Paul installer son atelier.
Elvgren fut engagé rapidement par Brown and Bigelow puis par Louis F. Dow qui lui commanda une série de pin up pour calendriers.Il travaille ensuite pour des marques de sodas dont Coca Cola. Juste avant la guerre, il donne des cours à l'American Academy of Art où il rencontre Joyce Ballantyne qui deviendra sa collègue et amie.
Elvgren produisit des centaines de pin up, essentiellement pour Brown and Bigelow. Les soldats américains en raffolaient. Il illustra également des nouvelles, des histoires d'amour publiées dans de nombreux magazines comme Cosmopolitan. Les années 60 marquent l'apogée de son œuvre. En 1966, sa femme meurt d'un cancer. Il se remarie avec un de ses modèles, Marjorie Shuttleworth. Elvgren, atteint par un cancer, meurt en 1980.

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Greg Hildebrant

L'année a été 1939. Franklin Delano Roosevelt était à la Maison Blanche. Hitler était en guerre à l'Angleterre et la France. 131 millions d'habitants du pays faisaient la queue pour voir The Wizard of Oz, les Yankees ont remporté le championnat World Series, une miche de pain coûte 8 cents, et, le 23 Janvier, le Hildebrandt Brothers sont nés. Tout au long de sa carrière, Greg allaient travailler ensemble et séparément, et ensemble, encore une fois, avec son frère jumeau Tim. Ensemble, ils créent tout de l'affiche célèbre de Star Wars, les calendriers de best-sellers illustrant Tolkien Le Seigneur des Anneaux, à leur propre roman fantastique, Urshurak. Ils travaillent également sur l'art publicitaire, des centaines de livres classiques pour enfants, et les couvertures de la fantaisie et de nombreux romans de science-fiction. Ils ont remporté la médaille d'or tant convoité de la Société des Illustrateurs et en 1973, le Child Study Association ont choisi leur livre panda géant en Livres pour enfants de l'année. Toutefois, étant un jumeau peut être à la fois une bénédiction et une malédiction. Étant étroitement liée à la fois dans la vie et le travail, un sens de l'individualité peut être perdu, du moins aux yeux du public.

Enfin, vers la fin de l'année 1999, avec une carrière dans l'art commercial et l'illustration couvrant quarante ans, Greg a finalement pris la décision de vivre le rêve de tout illustrateur commercial et faire une peinture juste pour lui-même. Après mûre réflexion, Greg a pris la décision de fusionner les deux grands amours de sa vie, l'art et les femmes. Il en a résulté non seulement une peinture, mais toute une série de peintures - Beautés américaines.

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Hajime Sorayama

Hajime Sorayama (空 山 基 Sorayama Hajime?, Né en Février 22, 1947) est un illustrateur japonais, connu pour sa précision détaillée, la main peint érotique représentations des femmes et des robots féminins.

Hajime Sorayama est né en 1947 à Imabari, Ehime Prefecture, Japon. Il a reçu son éducation de base à Imabari Kita High School. En 1965, il a été admis à l'Université de Shikoku Gakuin, où il a commencé à étudier la littérature grecque et anglaise. En 1967, après la publication de son premier ouvrage, Pink Journal, il a été muté à Tokyo Chuo Art School où il a commencé à étudier l'art.

Sorayama obtenu son diplôme en 1968 à l'âge de 21 ans, et a obtenu un rendez-vous dans une agence de publicité. Il est devenu un illustrateur freelance en 1972. En 1978, il sortit son premier robot. Il réside à Tokyo.


Œuvres remarquables

Robot Sexy Sorayama travail, publié par Genko-sha en 1983 , a fait ses formes organiques robotiques célèbre dans le monde entier. Pour le travail, il a utilisé les idées de pin-up art, qui dans le livre apparaissent alors comme chromées gynoids dans des poses suggestives. Son prochain livre, Pin-up (Graphic-sha, 1984), continuer sur la même ligne. Un certain nombre de ses autres œuvres de même tourner autour de figures dans des poses suggestives, y compris des représentations très réalistes en latex et de cuir. Ses pin-up apparaît chaque mois dans les pages du magazine Penthouse et Playboy TV a fait une émission spéciale sur les arts Soryama. La période de 2000 à 2012 a inclus design organique Sorayama de SONY AIBO chien robotique co-vainqueur (avec SONY) du Japon Grand Prix du prix du meilleur design (la distinction la plus élevée conférée par le Japon); Sorayama SONY AIBO robotique pour animaux de compagnie conception a été placé dans les collections permanentes du MOMA et du Smithsonian Institute Museum; MOMA a publié un livre "Objets de conception" par Paola Antonelli inclus Sorayama et AIBO de SONY avec d'autres conceptions remarquables où la forme et la fonction se combinent en harmonie. AIBO est l'animal le premier robot à intelligence artificielle jamais. La NIKE "Projet Dunk blanc" inclus Sorayama arts dans les 25 plus inspirants des artistes japonais.

En 1985 Sorayama publié la vidéo Illustration vidéo, sa première œuvre en dehors des livres d'illustrations. Ce sont les oeuvres des films "Brain Dead" (1992), "Timecop" (1994) et "Trucker Space" (1995), la conception de cartes à collectionner, des éditions limitées, CD-ROM, des expositions d'art et de la conception initiale industriel pour Sony AIBO robotique pour animaux de compagnie [4], ainsi que la pochette de l'album d'Aerosmith en 2001 par Just Push Play.

De 1985 à 2012 a été une période très occupée pour Sorayama qui a sorti ses nouveaux maîtres Travaux réserver la fin du printemps 2010 et est de nouveau travailler avec les créateurs de films à Hollywood, Californie, Etats-Unis sur des projets de fantaisie de science-fiction seront annoncés en 2012.

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Harrisson Fisher

Harrison Fisher (Juillet 27, 1877 - Janvier 19, 1934) était un illustrateur américain.

Fisher est né à Brooklyn, New York et a commencé à dessiner dès son plus jeune âge. Son père et son grand-père étaient des artistes. Fisher a passé beaucoup de sa jeunesse à San Francisco, et a étudié à la San Francisco Art Association. En 1898, il retourne à New York et a commencé sa carrière comme illustrateur et un journal magazine. Il est devenu particulièrement connu pour ses dessins de femmes, qui a remporté l'acclament comme le successeur de Charles Dana Gibson. Ensemble avec son compatriote artistes Howard Chandler Christy et Neysa McMein il constituait le magazine Motion Picture Classic "Fame and Fortune" jury du concours de 1921/1922, qui a découvert la it-girl, Clara Bow. Travaux de Fisher se produit régulièrement sur ​​la couverture du magazine Cosmopolitan du début des années 1900 jusqu'à sa mort.

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Harry Ekmam

On compare souvent le style et le format des pin up d'Harry Ekman à ceux de Gil Elvgren. De fait, originaire de Chicago, patrie du "gang" de Sundblom, Ekman fut un temps l'apprenti d'Elvgren. Si Elvgren lui apprit beaucoup, Ekman aida également son mentor à développer des nouvelles idées et des thèmes inédits. Les années passées auprès d'Elvgren furent très profitables : dès qu'il se mit à voler de ses propres ailes, Ekman rencontra le succès. II vendit un grand nombre de pin up à Shaw-Barton, le prestigieux éditeur de calendriers de l'Ohio. Bien que son oeuvre pour calendriers soit principalement centrée sur les pin up, simples ou en situation, il réalisa également une superbe série de beautés glamour "avec perroquets" pour l'éphémère ligne de calendriers lancée par la maison Rustcraft, spécialisée dans les cartes de vœux.
Les pin up souriantes et guillerettes d'Ekman, souvent accompagnées de leur toutou, dégageaient une aura de fraîcheur et de bonne santé qui rappelle le travail du cercle de Sundblom. Comme Elvgren, Ekman photographiait toujours ses modèles avant de les peindre. En hiver 1957, il fit l'objet d'un article de la revue Art & Camera, preuve que sa réputation était déjà fermement établie en tant qu'artiste et photographe.
La technique et le format d'Ekman étaient les mêmes que ceux d'Elvgren. II travaillait principalement à l'huile sur des toiles de 76,2 x 61 cm. Elvgren ne faisait que très peu d'esquisses préliminaires, mais Ekman réalisait d'abord un dessin complet du sujet avant d'attaquer la toile. Après avoir pris sa retraite, Ekman semble avoir quitté la région de Chicago pour s'établir près de Salt Lake City, dans l'Utah.

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Jennie Moore

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Jerry TIBSTRA

Plus connu pour ses dessins sur le sport, Jerry Tibstra assume de temps à autre le rôle de son alter ego, l'artiste des années 50 Glenn Artsbit. Reconnu pour ses qualités artistiques dés son plus jeune âge, il a fait l'objet d'une campagne nationale à l'âge de 16 ans. Tibstra a obtenu son diplôme de fin d'études avec des mentions en art, éducation et journalisme. Il a suivi à la fois une carrière d'enseignant et d'artiste free lance pendant 20 ans. Depuis plus de 10 ans, Jerry a été choisi par de nombreux athlètes et des équipes, pour commémorer certaines victoires par une peinture. Comme Glenn Artsbit, il délaisse le vestiaire au profit du boudoir pour créer une femme idéalisée dans sa série "Pin ups poétiques". Sur son site, artsbit.com, Tibstra a des commandes d'athlètes, de modèles reconnus et débutants et de "filles de la rue".Pour plus d'informations, des commandes ou des demandes sur des peintures ou des modèles, visitez artsbit.com

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Joe de Mers

De Mers étudia à la Chouinard Art School à los Angeles
Joe De Mers était spécialisé dans l'illustration qui décrit la femme moderne américaine. Il n'avait pas de stéréotypes et pour le s'habiller, il faisait appel à l'experte de la mode, son épouse Janice.

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Joyce Ballantyne

Née à Norfolk, dans le Nebraska, juste après la Première Guerre mondiale, Ballantyne étudia pendant deux ans à l'Université du Nebraska. Pendant son temps libre, elle peignait des fresques dans des grands magasins et des salles de cinéma. Après avoir passé deux autres années à étudier les arts appliqués à l'Art Institute de Chicago, elle fut engagée par Kling Studios, où on l'employa à dessiner des cartes routières pour Rand McNally et des illustrations pour un dictionnaire de Cameo Press.
Ballantyne entra ensuite aux studios Stevens-Gross, où elle resta plus de dix ans. Absorbant en grande partie l'influence du cercle de Sundblom qui régnait dans cet.atelier d'illustrateurs, elle fit partie d'un groupe d'artistes très unis tant sur le plan professionnel que personnel et qui incluait Gil Elvgren, Earl Gross, AI Moore, Coby Whitmore, Thornton Utz et AI Buell. Elle avait précédemment rencontré Elvgren à l'Academy of Art où il enseignait et elle suivait des cours. Après des années d'étroite collaboration, ils se partageaient souvent des commandes lorsque l'un des deux était indisponible ou que les délais étaient trop courts.
En 1945, Ballantyne commença à travailler pour Brown and Bigelow, après avoir été recommandée par Elvgren. La maison la présenta à l'équipe de marketing et de ventes nationales comme "la jeune étoile la plus brillante au firmament de l'illustration". Ballantyne conçut pour eux une pin up publicitaire destinée à promouvoir les ventes par correspondance et eut même plus tard l'honneur de créer un calendrier de douze pages pour la ligne Artist's Sketch Pad.
En 1954, Ballantyne réalisa ses douze pin up les plus importantes pour un calendrier de Shaw-Barton. Lorsqu'il parut en 1955, les annonceurs se bousculèrent pour obtenir les services de l'artiste, au point que la compagnie le réédita de nombreuses fois. Ballantyne peignit ensuite une des affiches les plus célèbres de l'histoire publicitaire. Le fabricant de produits solaires Coppertone demanda à plusieurs illustrateurs de proposer un projet d'affiche géante pour le marché américain et international. Ballantyne l'emporta et son image finale (inspirée d'une idée d'Art Frahm) devint une icône nationale: sa fille Cheri (qui lui servit de modèle) séduisit tout le pays avec ses couettes et son petit chien joueur qui la retient par son maillot de bain. Ballantyne travailla également pour de nombreux autres grands annonceurs américains, dont Sylvania TV., Dow Chemisa, CocaCola et Schlitz Beer. Elle peignit d'autres pin up pour les calendriers de Louis P Dow et de Goes, ainsi que des illustrations pour des magazines tels que Esquire et Parenthèse. A l'instar de Zoë Mozert, Joyce Ballantyne posait souvent comme son propre modèle. II faut dire qu'elle était très belle. Comme son ami Gil Elvgren, elle préférait travailler à l'huile sur des toiles de 76,2 x 61 cm. En 1974, Ballantyne et son mari, Jack Brand, s'installèrent en Floride où elle se consacra à l'art du portrait. Elle y vit toujours et reste en contact avec ses vieux amis et voisins, AI Buell et Thornton Utz.

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Jules Erbit

On sait peu de Jules Erbit, mais ce maître du pastel a été l'un des plus prolifiques pin-up des années 1930 artistes dans les années 1950. Ses belles femmes calendriers grâce, posters et publiées par C. Moss, Brown & Bigelow, et d'autres. Erbit caractérise l'approche glamour - une caractéristique Erbit pin-up dispose d'une belle femme dans une robe appuyé contre le rail d'un navire, ou se prélasser dans un jardin. Il s'agit d'un soft-focus, fleurs-dans-le-monde-cheveux. Utilisation magistrale de l'artiste de pastels pour ses beautés rayonnantes le met fermement dans le camp des partisans Rolf Armstrong, mais, contrairement à Billy De Vorss, Erbit a son propre style distinctif immédiatement. Où Erbit ressemble le plus à Armstrong est dans le format des originaux (rares survivants connus): travaux massifs, ils mesurent généralement 14 "par 31".

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K.O Munson

Lorsqu'Earl Mac Pherson partit pour l'armée, ce fut K.O Munson qui fut désigné parmi l'écurie Brown et Bigelow pour reprendre le succès des Carnets à dessins. Conservant les pastels, Munsa substitua aux lisses pin-ups Petty de Mac Pherson des filles aux lignes plus marquées et plus dures, les douces courbes de ses beautés aux yeux brillants conservant malgré tout un attrait indéniable. Ce sportif à la voix douce avait connu (et continuait à connaître) le succès comme artiste commercial : au fil des années, il compta parmi ses clients Lucky Strike, Goodyear, Motorola, U.S. Rubber, Mars, et les matelats Sealy (dont une publicité mettait en scène une des beautés de Munson se prélassant sur un nuage). Partant de Chicago pour St Paul en 1936, Munson fut un des meilleurs créateurs de pin-ups de Brown et Bigelow tout au long des années 40. Il revint à Chicago pendant les années 50, où il ouvrit son propre studio, continuant à peindre ses jolies filles pour diverses compagnies. Alors que la mode des pin-ups s'estompait, il eut la clairvoyance de changer son fusil d'épaule pour réaliser des photos de charme pour des magazines masculins tels Modern Man et Figure.

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Leonne Frollo

Leone Frollo (né en 1931 à Venise) est un dessinateur et scénariste de bande dessinée italien.
Leone Frollo a débuté en 1948 avec un western appelé Sui Grandi Laghi (« Sur les grands lacs »).

De 1958 à 1968, il a travaillé à l'agence Fleetway de Londres, avec des histoires de guerre.

Après cela, au milieu des années 1980, il a travaillé sur plusieurs genres, dans la fantasy et l'horreur, mais plus particulièrement dans la bande dessinée érotique. Sa principale œuvre dans le domaine de l'érotisme pendant cette période est Biancaneve, basée sur l'histoire de Blanche-Neige, qu'il fit pour Edifumetto. Cette série fut publiée en français chez Elvifrance, sous le titre Contes malicieux.

Après 1987, Leone Frollo change son style et dessine quelques séries pour le marché français : Malicieusement femmes, Mona Street et Diva.

Mona Street, les aventures érotiques d'une jeune femme américaine, qui vient d'être diplômée de l'université à Boston, et qui se passe au début du XXe siècle, fut la dernière bande dessinée de Frollo.

Après avoir abandonné la bande dessinée, il se consacra à l'érotisme, produisant des illustrations sur papier, à l'aquarelle, au crayon et aux pastels.

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Mark Blanton

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Merlin Enabnit

 

Merlin Enabnit est né en 1903 dans une petite ville près de Des Moines, dans l'Iowa. II commença sa carrière comme étalagiste dans un grand magasin de Chicago, tout en suivant des cours à la Cummings School of Art. II réalisa ses premières peintures de pin up pour l'éditeur de calendriers Louis F. Dow en 1936. II partit ensuite travailler pendant deux ans en Angleterre, où il rencontra un succès considérable. L'éditeur Shaw-Barton devint bientôt son plus gros client, reproduisant ses pin up sur des calendriers et des gadgets publicitaires. Signant uniquement de son patronyme, Enabnit créa également une série d'images publicitaires pour Formft, Jantzen Bathing Suits et la White Owl Cigar Company. Vers le milieu des années 40, il travailla à Hollywood, peignant des portraits de vedettes de cinéma telles que Harold Lloyd et Virginia Mayo.Connu comme le « magicien de la couleur », Enabnit créait lui-même ses huiles à partir de produits naturels. En 1975, il publia Natures Basic Color Concept (« Les couleurs de base de la nature ») et divulgua ses techniques à travers une série de conférences, d'articles et d'entretiens avec la presse écrite et télévisée. Enabnit travaillait principalement à l'huile sur de grands formats (01,6 x 76,2 cm), avec une palette vivement colorée qui rappelle celle du cercle de Sundblom. Il peignait à partir de photos de ses modèles, conjuguant les meilleures qualités de chacune pour créer une image idéale. Aimant la compagnie et chaleureux, chef de famille dévoué, il fut nommé docteur honoris causa de la Royal Society of the Arts de Londres. En 1969, sa femme et lui s'installèrent à Phœnix, dans l'Arizona, où il se consacra à la peinture des paysages colorés du sud-ouest américain. II mourut en novembre 1979.

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Paul Corfield

Je suis né à Bournemouth, Dorset, au Royaume-Uni le 25 Mars 1970.
J'ai été en mesure de tirer (de ce que je me souvienne) à l'âge de six ou sept ans quand je copier des images tirées par mon grand-père. Mon professeur était un prochain court Mme de mon école secondaire, qui était sans doute joué un rôle dans l'orientation de ma carrière là où elle est maintenant. Elle a été et j'espère que c'est toujours un excellent professeur d'art.
Depuis qu'il a quitté l'école, j'ai été totalement autodidacte dans les autres techniques de l'utilisation de mes pinceaux et aérographe (grâce aussi à l'Art Airbrush + Action et magazines d'action aérographe pour une source précieuse d'informations).
Mon travail est apparu sur la couverture d'une série d'histoires courtes érotiques au Canada.
J'ai été interviewé pour un article sur l'art de pin-up pour le Star Arizona Daily.
Mes dernières pièces doivent figurer dans un site encore en construction appelé glamoureditions.com de très haute qualité tirage limité sera disponible. Ceux-ci disposent d'un grand nombre de tableaux déjà vendus sur mon site à l'heure actuelle.

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Pearl Frush

L'une des trois plus grandes femmes peintres de pin up et d'art glamour travaillant pour les calendriers au milieu du siècle, Pearl Frush s'attira rapidement le respect des directeurs artistiques, des éditeurs, des directeurs de ventes et des imprimeurs. Malheureusement, parce qu'elle travaillait principalement à la gouache et à l'aquarelle, ses originaux pouvaient rarement être reproduits en nombre suffisant pour lui permettre d'accéder à une grande notoriété publique. Cependant, lorsqu'on examine ses oûuvres de près, on est frappé par la qualité de ces images méticuleusement réalistes, comparables à celles de son confrère beaucoup plus célèbre, Alberto Vargas. Née dans l'Iowa, Frush grandit en grande partie dans le golfe du Mississippi. Elle commença à dessiner dès qu'elle fut en âge de tenir un crayon. Plus tard, elle suivit des cours de dessin à La Nouvelle-Orléans. Après d'autres études à Philadelphie et à New York, elle rejoignit sa famille à Chicago, où elle suivit des cours à l'Art Institute sous la direction de Charles Schroeder.
Frush ouvrit son premier atelier à Chicago au début des années 40. Tout en acceptant des commandes en free-lance, elle travaillait régulièrement pour l'atelier de Sundblom, Johnson et White. En 1943, elle était devenue l'une des artistes les plus importantes de Gerlach-Barklow, réalisant une succession de séries à grand succès : Liberty Belles, Sweethearts of Sports, Girls of Glamour et Glamour round the Clock.
En 1947, sa série Aquatour, une douzaine de pin up "aquatiques", battit tous les records de ventes. En 1955, Frush était devenue un nom très rentable pour ses employeurs. II était donc tout naturel que Brown and Bigelow tente de la débaucher : un an plus tard, cet éditeur publiait sa première pin up de Frush, une image horizontale conçue spécialement pour un calendrier-cintre (grand calendrier mural d'une seule page). Belle et débordante d'énergie, Frush aimait la voile, le canoë, la natation, le tennis, et incorporait souvent un thème sportif dans ses ceuvres. Ses pin up et ses beautés glamour avaient un côté franc et volontaire qui saisissait bien l'esprit énergique de la jeune Américaine d'alors. Ses filles étaient fraîches et pleines de santé, avec des formes généreuses sans être ouvertement érotiques. Elles parvenaient à ressembler à des vedettes de cinéma tout en restant des Mademoiselle Tout-le-monde.
Les oeuvres originales de Frush étaient réalisées sur des cartons à dessin mesurant généralement 50,8 x 38,1 cm. L'artiste travaillait principalement à l'aquarelle et à la gouache. Elle signait parfois de son nom de femme mariée "Mann";. Son style était toujours d'une grande précision, restituant les moindres nuances du sujet avec une netteté quasi photographique.

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Peter Driben

Peter Driben, un Américain pin-up artist, était peut-être l'une des plus productives de pin-up artists des années 1940 et 1950. Bien que Alberto Vargas et Gil Elvgren ont catalogues exhaustifs de travail, ni venu près de la sortie de Driben. Pinups de Driben ravi le public américain depuis le début de la Seconde Guerre mondiale jusqu'à ce que le baby-boom beaucoup des années 1950.

Né à Boston, Driben a étudié à l'École d'art George Vesper avant de s'installer à Paris (vers 1925). Tout en prenant des cours à la Sorbonne en 1925, il entame une série de très populaires plume et à l'encre des dessins de danseuses de la ville. Sa pin-up était d'abord connu le couvercle pour Tattle Tales en Octobre 1934, et en 1935, il produisait des couvertures pour Snappy, Vie Pep, New York Nights, Nuit français et Caprice. Driben popularité a continué d'augmenter dans les années trente avec enjoliveurs Cas de bas de soie, livre, film gay Merry-Go-Round and Fun écran réel.

Driben carrière dans la publicité a élargi son déménagement à New York en 1936 en retard. Il a créé originaux en trois dimensions des vitrines pré-découpées pour les radios Philco, Serviettes de Bain Cannon, et la Société de cuisson Weber. Peut-être son œuvre la plus célèbre étant les affiches originales et des illustrations pour la publicité Le Faucon maltais. Peter Driben était aussi un ami proche de l'éditeur Robert Harrison, et en 1941, a été engagé pour produire des couvertures pour le magazine Parade Harrison beauté nouvelle. Driben continua à peindre des centaines de couvertures pour cette publication et pour les sept autres titres Harrison était de lancer - Flirt, Whisper, Titter, Wink, Plein la vue, Giggles, et le Joker. Driben aurait souvent jusqu'à six ou sept de ses couvertures étant publiés chaque mois. Travail Driben pour Harrison l'a établi comme l'un des artistes américains pin-up et glamour les plus reconnus et réussie. Juste avant il a commencé à travailler pour Harrison, Driben épousé l'artiste, actrice et poète, Louise Kirby.

En 1944, on lui a offert l'opportunité rare pour un artiste pin-up, de devenir le directeur artistique du New York Sun, poste qu'il a conservé jusqu'en 1946. Pendant la guerre, sa peinture populaire des soldats américains hissant le drapeau à Iwo Jima a suscité une quantité considérable de l'attention des médias.

En 1956, Driben et Louise a déménagé à Miami Beach, où il a passé ses années de retraite à peindre des portraits (dont un de Dwight D. Eisenhower) et d'autres œuvres de beaux-arts, qui ont été organisés en expositions couronnées de succès par sa femme. Driben mort en 1975, Louise en 1984.

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Raphael Kirchner

Raphael Kirchner est né à Vienne en 1876. Il étudia à l'Académie des Arts de l'Image de Vienne. Vers 1900, il vint à Paris et resta en France jusqu'au début de la première guerre mondiale. Il partit ensuite aux Etats-Unis ; il mourut à New York le 2 août 1917. Son travail est à classer dans l'art annonçant celui des pin ups. Sa première carte postale a été publiée par Philip&Kramer. On peut comptabiliser environ 1000 cartes postales faites par Kirchner, toutes ne se trouvent pas aux Etats-Unis.

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Ray Coia

Ray Coia est un artiste de longue date qui travaille dans de nombreux types de supports. Sa formation artistique a été fait en Allemagne, alors qu'il y travaillait depuis plusieurs années. Il a enseigné des cours d'art à Canton, dans l'Ohio, depuis près de 30 ans, tandis que l'exploitation de son propre studio d'art. Il a plusieurs grandeur nature sculptures en bronze à son actif ainsi que des pièces métalliques et des centaines de peintures. Plus récemment, il a mis l'accent sur ​​les portraits et les bijoux. Chaque morceau de bijoux est conçu et réalisé par Ray.

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Rolf Armstrong

Rolf Armstrong, né le juin 1907 à Bay City (Michigan) et mort le 22 février 1960 à Oahu (Archipel d'Hawaï), est un peintre américain connu pour ses Pin-ups et ses portraits féminine en couverture du magazines Photoplay.

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Ronald Cobb

Ron Cobb (né en 1937 à Los Angeles) est un artiste américain, dessinateur, caricaturiste et réalisateur de cinéma.
À l'âge de 18 ans, sans formation graphique particulière, il travaille aux Walt Disney Studios à Burbank (Californie) comme dessinateur de raccords. Il se forme et finit par être scénariste dans le film la Belle au bois dormant sorti en 1959.

Licencié par Disney en 1957 après la fin du travail sur la Belle au bois dormant, il pratique divers métiers, facteur, assembleur dans une fabrique de portes, assistant peintre en publicité etc. En 1960 il est incorporé dans l'armée américaine. Pendant deux ans il remet des documents classés autour de San Francisco. Il s'engage pour un an de plus pour éviter l'infanterie mais est envoyé au Vietnam en 1963 comme rapporteur pour le Signal Corps. Il commence à collaborer au Los Angeles Free Press en 1965.

Édité et publié par Art Kunkin, le Los Angeles Free Press a été l'un des premiers journaux underground des années 1960, connu pour sa ligne éditoriale radicale. Les éditoriaux et les caricatures politiques de Cobb étaient parmi les plus célèbres rubriques du Freep1 ; il participe régulièrement à divers journaux de l'Underground Press Syndicate. Bien que considéré comme l'un des meilleurs dessinateurs politiques des années 1960 et 1970, Cobb ne gagne pas sa vie avec ses dessins, et fait toujours des petits boulots ailleurs.

Une de ses œuvres les plus célèbres de cette époque est la pochette de l'album After Bathing at Baxter's du Jefferson Airplane en 1967. Il participe également à la création du film culte Dark Star (1973). (Il a dessiné les lignes du vaisseau spatial sur une nappe du restaurant Pancake House).
drapeau de l'écologie (version thêta)

Il a également créé le drapeau de l'écologie en 1969 dans le L.A. Free Press, utilisé pour la première fois pour le jour de la Terre de 1971.

En 1972, Cobb s'installe en Australie à Sydney avec sa femme Robin Love.
Ses premiers dessins sont rassemblés en 1967 par Sawyer Press, d'autres recueils ont suivi en Amérique et en Australie. On trouvera également en France Le livre de Cobb publié en 1978 par Dandelion éditions.

En 1981, un grand format Colorvision, présentant une grande partie de son travail pour les films Star Wars (1977), Alien (1979) et Conan le Barbare (1982), le premier long métrage où il est cité au générique comme décorateur. Cobb a également contribué à la conception de production de film The Last Starfighter (1984) et Leviathan (1989), ainsi que des dessins pour Profession: Génie (1985), Retour vers le futur (1985), Aliens, le retour (1986), The Abyss (1989), Total Recall (1990), True Lies (1994), Le Sixième Jour (2000), Comme chiens et chats (2001), Southland Tales (2006), et la série australienne Garbo, qu'il a dirigé. Cobb a contribué l'histoire initiale de Night Skies, une version d'essai et plus noire de E.T. l'extra-terrestre. Steven Spielberg lui a offert l'occasion de diriger cette effrayante suite à Rencontres du troisième type jusqu'à ce que des problèmes surgissent avec les effets spéciaux entrainant une réécriture majeure.Cobb étant en Espagne sur Conan le Barbare, Spielberg a fini par réécrire et diriger lui-même E.T..

Pendant les années 1990, Ron a travaillé avec l'éditeur de jeux Rocket Science Games. On voit ses dessins notamment dans Loadstar: The Legend of Tully Bodine (1994) et The Space Bar (1997), dans lequel il a conçu tous les personnages.

Cobb a également co-écrit avec sa femme, Robin Love, l'un des épisodes de Twilight Zone (Saison 2, épisode 33b : Sans abri).

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Suzanne Meunier

Suzanne Meunier est l'une des deux seules femmes artistes de créer des gravures dans le style boudoir. C'est sans surprise d'un genre dominé par les hommes, c'est une attitude très 19ème siècle, quand les hommes étaient libres d'étudier la forme féminine, tandis que les dames ont quitté l'étude fleurs. Les deux dames actuellement sur ​​ma liste sont Vala Moro et maintenant Suzanne Meunier, deux gravures originales signées créés de nus ou partiellement habillés jeunes filles. Photos tout en Vala Moro étaient plus proches du style Icart, le travail Meunier tend vers le graphique Vargas "Pin Up" de style.
Contrairement à l'artiste Paul Ordner, dont la gravure semble avoir été créé au début de sa carrière, la gravure de Suzanne semblent dater des années plus tard, après qu'elle ait été déjà établie en tant qu'illustrateur artiste. - Plus de ce côté.

Suzanne vivait en France et est né vers la fin du 19ème siècle - qui est le début et la fin des «faits» sur sa vie, le reste est perdu ou n'a pas encore été trouvé. Même ses dates sont mystérieuses, les seules dates que j'ai vus sont 1847-1954, ce qui signifie qu'elle a vécu à 107 et qu'elle a créé les gravures ci-dessus quand elle avait 88 ans! ces dates ne vous sentez pas correct - peut être une autre Meunier S ou peut-être tout simplement faux.
Ce que nous pouvons être sûrs, c'est la date de son illustration commerciale et le développement de son style.

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T. N. Thompson

Au début des années 50, Earl Mac Pherson se trouva être non seulement l'auteur chaque année d'un calendrier pour Shaw-Barton, mais aussi celui de pin-ups illustrant des jeux de cartes, des cartes de voeux, des affiches, des pochettes d'allumettes, des livres, bref toute la panoplie des produits dérivés des pin-ups. Il prit Jerry Thompson comme assistant, et ils travaillèrent ensemble en Californie. Le robuste Mac Pherson fut cependant mis à genoux par la polio, et un temps, Thompson ne fut pas loin d'être son nègre. Quand Mac Pherson retrouva l'usage de toutes ses facultés et reprit la vague des pin-ups, il vendit le contrat de Thompson à un autre éditeur, et de 1952 à au moins 1958, les Croquis d'étude de T.N. Thompson furent un calendrier concurrent aux ventes très considérables. Thompson ne s'est pas contenté de travailler dans le style "carnet à dessin" de Mac Pherson (bien que troquant les pastels contre de l'huile), il s'est aussi basé sur des photos de Mintahoia O'Roney et d'autres modèles de Mac Pherson (remarquez les similitudes entre la fille des neiges de T.N. Thompson et celle de Mac Pherson). Ses premiers calendriers sont assez bons ; plus tard, alors qu'il s'éloignait de l'influence de Mac Pherson, un côté cartoon a ouvertement gagné son oeuvre.

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Ted Kimer

Pendant les cinq premières années de sa carrière professionnelle, Ted Kimer a dessiné des jeunes femmes au crayon. Il décida de changer de technique après avoir vu une collection de 11 dessins originaux de George Petty créés entre 1936 et 1953. "Ils étaient merveilleux. J'ai aussitôt voulu changer de style !" Mais malheureusement pour Ted, il n'existe pas de cours pour apprendre à dessiner des pin ups ou de l'art glamour. Cela nécessite beaucoup de recherches pour la gestuelle, le mouvement, la chaleur et le style ; tout ce qu'on ne peut trouver dans un livre.
Après avoir rencontré Joyce Ballantyne, Earl MacPherson, l'ancien directeur artistique de Playboy et le biographe de Vargas, Reid Stewart Austin, Ted avait amplement pénétré le monde de l'art des pin ups. L'influence la plus notable dans son travail a été des leçons données en Californie par l'artiste Joe De Martini, un ami personnel de Vargas. "C'est pourquoi le style est résolument "Vargas", mais avec une touche années 90," dit Ted de ses travaux récents. Je suis également influencé par Petty, mais je mélange mon propre style avec mes influences dans chaque peinture." Ted cherche à perpétuer une vieille tradition de portraits de femmes. Dans les années 30 et 40, Petty et Vargas ont apporté les pin ups dans les foyers de millions d'américains à travers les pages d'Esquire. "J'aimerai aussi être considéré comme un artiste qui cherche à élever cette forme d'art et à atteindre un large public" déclare Ted. Lorsqu'on demande ce qu'est une Teddy girl : "quand les yeux sont souriants, et qu'il émane d'elle une chaleur qui capte l'attention, on sait que c'est une Teddy girl", pense Ted. "Elles sont toujours élégantes, gracieuses."

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Ted Withers

Brown et Bigelow commercialisèrent plusieurs produits dérivés de la série de Mac Pherson, les Carnets à dessin artistiques. La promo indique que Ted Withers s'est illustré à Tinsel Town, sortant au début des années 50 des calendriers style carnets à dessins censés représenter des starlettes hollywoodiennes, lesquelles étaient rarement identifiables. Les femmes de Withers étaient des personnages oniriques, dans leur visage, leur silhouette, leur attitude : perdues dans leurs pensées, elles posaient nues ou à moitié nues (de manière plus explicite qu'à l'accoutumée pour l'époque), étudiant des textes en même temps, ou essayant un bas de bikini, ou encore se faisant coiffer par un assistant hors champ. Il travaillait apparemment avec de la gouache, bien que l'on ait retrouvé des originaux à l'huile. Ses carnets de pin-ups incluaient le même trait de crayon que Mac Pherson sur des croquis latéraux. Dans l'article de Marianne Ohl Phillips sur Zoe Mozert, cette illustre dernière décrivit Withers comme absolument charmant. D'après Mozert, Withers était originaire de Nouvelle-Zélande, et fit les illustrations des titres des films de Columbia Pictures avant de se lancer dans les pin-ups.

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Vaughan Alden Bass

 

Vaughan Alden Bass était un artiste de Chicago qui a commencé sa carrière de pin-up des années 1930.

Il semble avoir été fortement influencé par le cercle d'artistes qui ont grandi autour de Haddon Sundblom.

Basse créé ses propres pin-ups pour pour Brown & Bigelow, mais il a ensuite été employé par la Société Louis F. Dow comme une «peinture-over 'artiste, chargé de refaire le travail que Gil Elvgren avait déjà créé pour la société. Dow a été motivée par des intérêts économiques, dans l'espoir de gagner plus d'argent de cette «re conçu" Elvgrens Heureusement, Bass était un artiste talentueux et sensible:. qu'il s'efforçait de laisser les visages, les mains, la peau et d'autres domaines clés des Elvgrens essentiellement intacts. Cependant, il a parfois fallu repeindre un bras ou à la main, car il a dû être repositionnée pour accueillir une nouvelle sur l'image peinte.

Sa peinture a souvent été comparé à celui de Elvgren, Al Buell, et Joyce Ballantyne. Il a travaillé à l'huile sur toile presque dans les mêmes dimensions que les autres.

Dans les années 1950, la Basse polyvalente a fait une série d'huiles spectaculaires illustrant des scènes de lutte qui a clairement démontré sa capacité à être à l'aise avec n'importe quel sujet. , Il a créé le "Girl Pain Merveille» dans les années 1950 avec sa fille Nancy comme son modèle. Son portrait du président Dwight D. Eisenhower est l'institution Smithsonian à Washington DC

Vaughan Alden Basse biographie emprunté à La Great American Pin-up de Charles G. Martignette & Louis K. Meisel.

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Walt Otto

Né en 1895 à Horicon, dans le Wisconsin, Walt Otto vint vivre avec sa famille à Oshkosh à l'âge de dix-sept ans. Montrant très tôt des dons pour le dessin et un grand sens de la couleur, il ouvrit son propre studio de photographie en 1915. Après avoir servi dans l'armée pendant la Première Guerre mondiale, il s'installa à Chicago pour y étudier l'art et y trouva son premier emploi auprès de la Edwards and Deutsch Lithography Company. Là, il eut l'occasion de regarder travailler quatre des plus grands artistes de l'époque: Haddon Sundblom, Andrew Loomis, Frederic Mitzen et James Montgomery Flagg.
Dans les années 20, les oeuvres d'Otto parurent en couverture de magazines à grande diffusion tels que The Saturday Evening Post et Woman's Weekly. En 1931-1932, il poursuivit sa formation de haut niveau à l'Art Institute de Chicago tout en travaillant comme illustrateur free-lance. Entre 1935 et 1945, ses créations fgurèrent sur les grands panneaux publicitaires, les affiches et les présentoirs d'un grand nombre d'importantes firmes américaines, dont Alka Seltzer, Shell Oil, Schlitz Beer Kellog's et H. J. Heinz.
Le plus souvent, il incorporait des pin up dans ses réalisations publicitaires destinées au grand public. Pendant la Deuxième Guerre mondiale, il enseigna la photographie aérienne et la cartographie aux soldats, puis reprit sa carrière prospère de peintre de pin up et de beautés glamour. Ses images les plus connues sont les belles fermières qui ornèrent des millions de calendriers des années 40 et 50. Vêtues de shorts et de corsages bain de soleil, ces belles plantes profondément enracinées dans la tradition rurale américaine étaient toujours accompagnées de leur fidèle compagnon canin. Elles étaient peintes à l'huile sur des toiles faisant généralement 101,6 x 76,2 cm et arborant le logo Otto. Otto se fit également connaître pour ses images plus sophistiquées de beautés glamour en robe du soir. A la mort de sa femme en 1952, Otto revint vivre à Oshkosh. Quelques années plus tard, on lui demanda pour la troisième fois de peindre une couverture pour The Saturday Evening Post. Otto commença et acheva ainsi sa carrière avec un honneur rarement accordé à un artiste de pin up. En 1961, la New York Geographic Society publia une des toiles qu'il peignit au cours des dix dernières années de sa vie. Intitulée Summer Idyll (Idylle d'été), cette peinture d'une Otto Girl trempant un orteil dans un ruisseau pourrait être un condensé des nombreux thèmes traités par l'artiste au cours de sa carrière. Otto mourut à Oshkosh en 1963.

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Xavier Sarger

 

Xavier Sager (1870-1930) illustré la vie parisienne dans les premières années des années 1900, de magnifiques images en se concentrant sur la décadence et le plaisir de l'époque.

On dit qu'il a produit plus de 3000 illustrations de cartes postales c'était un artiste productif, il est surprenant de constater quel'on connait très de cet artiste.

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Zoe Mozert

La créatrice de pin-ups la plus célèbre, Zoe Mozert (1907-1993), de son vrai nom Alice Adelaide Moser, est la disciple exemplaire du style pastel de Rolf Armstrong et a été l'une des rares étudiantes qu'Howard Pyle prit sous son aile. Zoe fit ses premières classes en tant qu'illustratrice comme précédemment ses congénères étudiants d'Howard Pyle, Maxfield Parish et N.C. Wyeth. Souvent son propre modèle, Mozert est connue pour rejeter les clichés des "sois belle et tais toi" au profit de jeunes femmes plus réalistes, aux traits et personnalités individuels aisément reconnaissables. En 1932, elle s'installa à New-York, et les années qui suivirent la virent peindre des centaines de couvertures de magazines. Ses couvertures-portraits de starlettes hollywoodiennes pour des publications telle que Romantic Movie Stories et Screen Book furent particulièrement populaires, mais elle signa des couvertures d'autres périodiques tels American Weekly et True Confessions. Alors que la majeure partie de son oeuvre, y compris des nus si fantasquement romantiques comme Clair de Lune et Rêves sensuels, se destinait aux calendriers (à l'origine pour Brown et Bigelow), Mozert s'est aussi distinguée comme artiste d'affiches de films, à la fin des années 30,notamment pour la Folle Confession de Carole Lombard, et la fameuse saga sexe et spiritueuse de Jane Russel et Howard Hughes, le Hors-la-Loi. Même de ses sirènes les moins sensuelles, (Je ne suis pas dupe, 1944) émanent charme et sex-appeal. Pendant la Seconde Guerre Mondiale, elle a peint sa plus célèbre série de dessins : les Filles de la Victoire. Zoe Mozert est morte en Arizona en 1993.

Galerie

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